Optimus Alive 2013 (Lisbon, Portugal)

Kings of Leon on stage

The Raveonettes @ Paradise Rock Club

Boston (octubre 2012)

Nantes (Beirut)

Well it's been a long time, long time now
since I've seen your smile.
And I'll gamble away my fright.
And I'll gamble away my time.
And in a year, a year or so
this will slip into the sea
Well, it's been a long time, long time now
since I've seen your smile...

Puta ciudad (Los Negretes)

Lejos de las voces (Pelo Madueño)

Por la calle, un gato experto en felicidad

Dónde (Pelo Madueño)

Bruises acoustique (Mélanie Pain)

In the late night moment of joy,
I just want to say... Wow.
In the early morning with a clear head,
I just want, to say, Wow...
I just want to say...

I was sitting on my bed,
just pretending to be sitting on my bed, when... Bang!
I was watching the twilight's moon of my wounded heart, when bang... Bang!
Oh, when... Bang!

I have so many bruises but you have such a smile.
I have so many scars, I can see them in your eyes.
I have so many bruises, I have so many scars, but you have such a smile.
Oh you have such a smile.

I can't believe I was counting the days it would take to come back if I leave.
Oh, I can't believe I was blinking and trying to read between the lines.
I can't believe I was swimming in this empty pool.
Oh, I can't believe you're my Big Bang.

I have so many bruises, but you have such a smile.
I have so many scars, I can see them in your eyes.
I have so many bruises,
I have so many scars, but you have such a smile.
Oh, you have such a smile.

I have so many bruises,
I have so many scars.
I have so many scars,
I have so many bruises.
I have so many bruises,
I have so many scars.
I have so many scars,
I have so many bruises.
I have so many bruises,
I have so many scars,
I have so many scars,
I have so many bruises.
I have so many bruises,
I have so many scars.

Chelsea Hotel (Leonard Cohen)

Donde fue filmada la película Sid y Nancy.....y esta última murió...pero aquí le dedica a Janis Joplin


I remember you well in the Chelsea Hotel,
you were talking so brave and so sweet,
giving me head on the unmade bed,
while the limousines wait in the street.
Those were the reasons and that was New York,
we were running for the money and the flesh.
And that was called love for the workers in song
probably still is for those of them left.

Ah but you got away, didn't you babe,
you just turned your back on the crowd,
you got away, I never once heard you say,
I need you, I don't need you,
I need you, I don't need you
and all of that jiving around.

I remember you well in the Chelsea Hotel
you were famous, your heart was a legend.
You told me again you preferred handsome men
but for me you would make an exception.
And clenching your fist for the ones like us
who are oppressed by the figures of beauty,
you fixed yourself, you said, "Well never mind,
we are ugly but we have the music."

And then you got away, didn't you babe...

I don't mean to suggest that I loved you the best,
I can't keep track of each fallen robin.
I remember you well in the Chelsea Hotel,
that's all, I don't even think of you that often.

Lollapalooza 2009: Desde el barro característico de Woodstock hasta la parafernalia de un millonario festival en la primera jornada nocturna

Depeche Mode, en el escenario principal

Llueve en Chicago. El verano húmedo de la capital del estado de Illinois se trasforma con las gotas del nublado cielo, gris y homogéneo. Como si la lluvia fuese costumbre en los grandes festivales de música en los Estados Unidos, Woodstock 69 y 94, el agua se funde con la tierra trasformando a los espectadores en hombres con extremidades de barro. Veo incluso chicas jugar con el lodo untándolo en sus pies, para así demostrar luego que fueron a uno de los eventos más significativos de la historia de la música alternativa. “Yo fui a Lollapalooza”, dirían y efectivamente corroborarían que presenciaron algo debajo de una lluvia en pleno verano que los demás roqueros no debían perderse, así este fuera el evento “comercial” más criticado entre la gente de preferencia alternativa. No podía faltar esta lluvia en la primera jornada de Lollapalooza 2009 (Lollapalooza significa “algo inusual y extraordinario”, un término que se oye en un corto de Los tres chiflados y Perry Farrel lo retomó para denominar al festival), el encuentro musical de tres días calificado como el “propio” de la Generación X, cuya primera edición fue organizada por Farrel, el vocalista de la banda de rock alternativo Jane’s Addiction en 1991. Desde entonces, cientos de agrupaciones como The Verbe, The Flaming Lips, Moby, Beck, Patti Smith, Kings of Leon, The Arcade Fire, Nine Inch Nails, Smashing Pumpkins, Sonic Youth, Morrisey y PJ Harvey han pasado por ahí, dejando una huella legendaria que ha quedado grabada en videos, discos y camisetas que los jóvenes se vuelven locos por comprar.

Foráneos y extranjeros llegan a un encuentro de rock, punk y rap que en otro país pararía el tráfico por completo, miles de personas se movilizan durante todo el día. Setenta y cinco mil diarias llegaron al Grant Park el año pasado; ahora quizá sean menos (unas 50 mil) por la recesión económica. Los buses y metros de vías aledañas se llenan de gente de hasta 35 años en trajes veraniegos de camisetas negras, tornasoles hippies, jeans rasgados, bermudas y sandalias. Desde Norridge, un barrio del norte de la Ciudad de los Vientos, se puede llegar al Grant Park, el lugar donde se desarrolla el concierto, en la línea azul del tren, dejando previamente el carro en la estación Harlem. Para moverse hasta dowtown, donde se encuentra ubicado el parque, se toma unos 40 minutos considerando las caminatas que hay que efectuar en una metrópoli del Primer Mundo.

Ya para las 19:00, la hora en que arribo para ver a los británicos Depeche Mode, la lluvia ha cesado por completo. Hay colas y colas de jóvenes; algunas chicas abogan por entrar y lo logran sonriendo a un joven encargado de una fila. Caminar hasta el escenario donde los Depeche se presentan (el Chicago 2016) toma unos 10 minutos, desde el norte, en cuyo transcurso observo decenas de stands de comida rápida y merchandise de Lollapalooza.

Seis escenarios se encuentran dispuestos en el parque, así como cinco áreas de decenas de baterías sanitarias, tres sitios con cajeros automáticos, 12 sitios de bebidas y agua gratis, y cuatro centros de rock y reciclaje, entre otros. Debo esperar una hora unos 50 metros frente al escenario para el performance de Depeche Mode. Para mí verlos en vivo es como una de esas cosas que te prometes realizar en la vida y que no obstante queda sin concretarse en la mayoría de los casos, sin embargo la fecha de mi visita a Chicago coincidió con este concierto sin yo haber programado nada. La gente llega y llega a paso superrápido, hasta tanto las pantallas gigantes a los costados del gigante escenario con cientos de luces robóticas exhiben videos de las bandas presentadas en ediciones pasadas: Red Hot Chili Peppers en 2006, Radiohead en 2008, Primus, Weezer y Arcade Fire en 2005, Pearl Jam en 2007…un sueño para los amantes de las agrupaciones íconos de la revista Rolling Stone. Los latinos son pocos, se destacan las caras de los hijos de los migrantes europeos con una lata de cerveza Budweiser en la mano o vino Santa Rita, que luego quedarán desperdigados en el suelo en una suerte de paisaje posmodernista y variopinto.

Regreso a ver y me encuentro justo en la mitad del público entre polacos, rusos, yugoeslavos, de los países balcánicos e incluso españoles, con el Sears Tower y sus 110 pisos a los lejos. Es que el electropop europeo no es un género tan acogido entre el público estadounidense, dice mi hermano Jimmy. Los sonidos de los celulares, blackberries, flashes de las cámaras…son parte de la cotidianidad en la espera por la presentación de cualquier grupo famoso. La euforia es distinta. Cada uno vive los momentos previos a su manera; hay decenas de gente solitaria así como parejas, y grupos grandes y pequeños de amigos, así como gays, lesbianas y transexuales, algunos tomados de la mano, que se paran adelante nuestro. La euforia estadounidense es incluso individualista, hay quienes saltan al ritmo de la música de fondo y otros quienes los observan con desgano, al contrario de la euforia latina, que invita al festejo compartido y a la convivencia.

Las grandes torres y los modernos edificios alrededor del parque iluminan el oscuro cielo, el paisaje urbano de uno de los conciertos más famosos del mundo, y en el escenario los cableros y arreglistas disponen los instrumentos para dar la bienvenida a la actuación de David Gahan, Martin Lee Gore y Andy Fletcher como parte de su Tour of Universe, sacado de su álbum Sounds of Universe, cuyas imágenes estéticas corresponden a los miembros de la banda vestidos en traje de astronautas. Empieza el recital con ‘Hole to Feed’, de su último álbum, seguida de ‘Wrong’ y luego ‘Walking in my Shoes’. Después, ‘It’s no Good’, ‘Question of Time’, ‘Precious’ y ‘Home’. Con esta última: “And I thank you for bringing me here/ For showing me home/ For singing these tears/ Finally I’ve found that I belong here”, llega un momento muy emotivo para algunos asistentes. Un joven a mi lado llora mientras la entona y otro a su lado prende un encendedor como parte de los cientos de encendedores que se accionan al unísono.

De Violator, un Dave Gahan de traje de cuero y estética electro dark, canta ‘Policy of Truth’, una de las canciones más famosas coreadas por la audiencia norteamericana, así como ‘In your Room’, ‘I feel you’, ‘Enjoy the Silence’ y ‘Never let me Down Again’. Pero el público no se queda satisfecho, los Depeche dejan el escenario por cinco minutos y cuando vuelven vienen melodías famosas como ‘Personal Jesus’.

Con una decena de canciones de casi todos sus álbumes, los Depeche Mode en cuyas espaldas se proyectan imágenes de video vanguardistas de colores vivos y dinamismo visual, se despiden con la entrega de un profesionalismo sorprendente en medio de la parafernalia de la producción millonaria del encuentro de jóvenes más famoso de los Estados Unidos. Todos los conciertos se terminan a las 22:00. Las avenidas Columbia y Congress, aledañas al Grant Park, están cerradas. Ríos de gente las cruzan en medio de vendedores improvisados, policías, grupos sentados en las bancas de los bulevares, para saturar las estaciones del metro. Las ambulancias pasan haciendo escándalo entre la multitud. En la estación de Jackson, un tumulto corre para entrar al tren que le conducirá hacia el norte de la Ciudad de los Vientos.

Este fue el final de la primera jornada de Lollapalooza 2009. Cada grupo acoge una diversidad étnica y racial en medio de una convivencia ajena a la mía cuyo lazo es la apreciación artística a grupos que representan la globalización mundial.

Lacrimosa a la vista, en julio

Algunas fotos de Tilo Wolff y Anne Nurmi, y el arlequín característico, concierto para rendir culto al spleen posmoderno...

Jaguares: una ceremonia pasional

Como cambia la piel/, transforma los espacios, la ideas/ destruye la estructura y la memoria/ se vuelve una bestia incontrolable /ausente de destinos victimistas…Con ‘Alquimista’ de su último disco, 45, la banda de rock mexicano Jaguares arrancó con su ceremonia ante más de 3500 almas en el Ágora de la Casa de la Cultura, en Quito, la noche del jueves.
El “sacerdote”, Saúl Hernández, trasmitió en dos horas aquella pasión indeleble que lo ha acompañado desde sus primeros años en Caifanes, en un ritual en el que el público coreó el repertorio, que se inició con las canciones de 45, para continuar con El Equilibrio del Jaguar, Cuando la sangre galopa, Bajo el azul de tu misterio, Crónicas de un laberinto y que finalizó con los temas legendarios de Caifanes.
El ritual, como han sido calificados los conciertos de Jaguares en distintos países, convocó a una audiencia heterogénea que supo captar el feeling espiritual de la energía del grupo cuyo nombre fue tomado de un sueño de Hernández en el que se veía tocando en el hocico de un jaguar. Y es que este representa un nagual de poder de la cultura maya.
“El disco se llama 45 porque hay 45 millones de pobres en México”, afirmó Hernández, así como “para salir de este dolor es necesario tu riesgo”. Cada palabra del músico caló hondo en quienes acudieron al recital. Era la primera vez que pudieron ver en vivo a Saúl, para corroborar que luego de su enfermedad en la garganta, su “gurú” aún conserva la virtuosidad de su voz aunque con mucho esfuerzo. Pero nada empañó la pasión a flor de piel que dio a luz este encuentro de “rock arqueológico”, ni siquiera las fallas en el sonido sumadas a la mala acústica del recinto, el que faltó poco para llenarse. Hubo algo más importante en el performance casi “religioso”, la comunión con los dioses a través de la música de Jaguares. Y de esto dio cuenta el propio Hernández: “Después de cada ritual se hace un sacrificio, ahora está su corazón en este escenario…”, expresó.
Con la bandera del Ecuador y junto al guitarrista César “El Vampiro López”, el bajista Marco Rentería y el baterista Alfonso André, Hernández saludó a las ciudades del país: Cuenca, Guayaquil, Ambato, Latacunga, entregándose de alguna forma a la historia latinoamericana que une al Ecuador con México. Y mucho sentimiento se evidenció en la audiencia al apoderarse ella de la música de Jaguares a través de las líricas de amor de ‘La célula que explota’ o aquellas en la que está implícita la búsqueda de la libertad como ‘Nubes’. “Esta canción debió haber nacido aquí, en las nubes de Quito”, dijo Saúl.
Los ánimos de los presentes se caldearon aun más cuando, luego de despedirse, la banda regresó al escenario para poner sobre el tapete los éxitos de Caifanes. Todos corearon aquellas “rolas” cortavenas que solo un “sacerdote” como Hernández logró escribir en la historia del rock latinoamericano. El ritual finalizó con un sentimiento de alegría mediante ‘La negra Tomasa’ con la que miles de fans bailaron. Esto fue Jaguares, pasión pura.

Saúl Hernández y mi persona

Opiniones del público

“Impresionante el concierto. Realmente fue un ritual en el que destaco la profundidad de sus letras y el trabajo que hace Jaguares. Es uno de los mejores que he visto”, aseguró Carolina Páez, de 27 años.
“Excelente recital, a pesar de las fallas técnicas de sonido y de la voz que de Hernández que al final tuvo problemas. Sin embargo lo principal es la furia con la que tocaron”, aseveró Andrés Vásquez, de 31 años.
“Jaguares me gusta desde que soy pelada, soñaba con que este grupo venga algún día al país. No importa que para Saúl haya pasado ya mucho tiempo y se le nota, no obstante puede cantar todavía con mucha pasión”, afirmó Andrea Utreras, de 26 años.

(Nota completa. Publicado en Diario HOY el 27 de septiembre de 2008)

Jaguares o el "rock arqueológico"

Alguna vez escuché que Jaguares, la banda de rock latino que visitará Quito, había creado el género denominado como "rock arqueológico". Y tiene sentido, pues Jaguares, partiendo de su nombre acoge toda una filosofía enlazada a los ancestros latinoamericanos, especialmente mexicanos. La agrupación, si bien es cierto, nació como un experimento luego de la disolución de la banda de rock mexicano más importante de los ochenta, Caifanes. Alfonso André, el baterista del grupo, en relación a “rock arqueológico”, dijo a Show Factory que quizá los denominaron así ya que a los integrantes de Jaguares les apasiona su pasado prehispánico. “Desgraciadamente sentimos que se está tratando de olvidar y en lugar de abrazarlo y protegerlo, cada vez queremos ser más como los gringos, menos latinoamericanos. Tenemos unas raíces valiosísimas, profundísimas que ya quisieran los estadounidenses”.

Esta esencia muy particular y pionera en la escena roquera mexicana tuvo sus primeras manifestaciones con Caifanes, que definitivamente es a México lo que Soda Stereo es a Argentina o lo que The Doors es a Estados Unidos. Representa un hito comercial y una estética tanto musical como lírica. Fue una especie de panacea espiritual que exorcizó el contexto musical latino proporcionándole un enfoque profundo, que explora el lado más sensible del ser humano.

Saúl Hernández, hoy con 44 años, fue el elegido para soñar con el nagual del jaguar, un animal considerado sumamente poderoso en la cultura maya. Él soñó que junto a Alfonso André y César “El Vampiro” López, conocido por haber sido parte de Maná y Azul Violeta, tocaba en el hocico de un jaguar. De acuerdo con los mayas, el jaguar es la representación de la luz en la oscuridad y el que conoce los misterios de la noche, como se escucha en la letra de ‘Dime jaguar:’ “Dime jaguar como llegar hasta el final, dime jaguar como mirar en la oscuridad. Sigue sudando frío el terciopelo de tus sueños hundidos en el olvido se perdieron tus instintos una vena se abre en el horizonte de tus días…”. Y es que Saúl ante todo es un poeta, un escritor innato que explora en sus inicios la búsqueda de un lado maternal como se evidencia en algunas de sus composiciones. La imagen de la mujer, como la del amor, está implícita en casi todas sus creaciones, con lo que desnuda muchas de sus vivencias y dolores. En esa latente tristeza a la vez que la fortaleza espiritual de sus composiciones, el cáncer a la garganta debió haber sido una prueba de fuego para el vocalista, quien tuvo que empezar de cero para recuperar el nivel al que había llegado. Según André, los problemas de salud de Hernández se pusieron de manifiesto en la gira de primer disco, El equilibrio del jaguar, en 1997. “A raíz de esto tuvo múltiples operaciones. Su problema radicaba en un tumor que tenía en sus cuerdas vocales. Se le iba mucho la voz, tenía problemas con los tonos agudos pero ahora ya está bien. Mejoró increíblemente con el tratamiento”, aseguró.

Con el espíritu etéreo de Hernández, Jaguares sin lugar a dudas se ha transformado en un ícono latinoamericano; Saúl es un artista explícitamente influenciado por el realismo mágico literario, un mundo de sueños y una profundidad que se sienten a flor de piel, sobre todo en sus recitales.

‘El Equilibrio’ Parte I
Voy en camino mi estado original,
Cuando el venado baila alrededor del fuego
Y logra cruzar el cielo
Suele purificarse un alma raptada
Por el maldito viento de una miserable rata.

Cuando el núcleo escupió a los cielos
Llovieron meses de horribles especies
Plagando la tierra de demonios sonrientes
Gestando falsas caras de inocentes víctimas.

El equilibrio empieza a dar su luz
Cuando arriba en la montaña
Baila un guerrero noches enteras.

Las falsas víctimas lloran por regresar al infierno
Me olvido del odio, me olvido del mandril
Me lamo las heridas y duermo por días.
Me acuesto en el centro del punto de partiday miro mi rumbo, y miro el espacio,
Despacio se va el viento, despacio se va el día
No quiero perder el instinto
Que me guiará a recuperar
Nuestro estado original.
(Saúl Hernández)

Es por esto que los conciertos que brindan Jaguares llegan a ser una especie de ceremonia o ritual de comunión con los dioses de los antepasados latinoamericanos. “El público es el que hace del concierto un ritual, siempre hay una bola de energía muy particular, no sé cómo pasa pero esta energía se ha repetido en muchos países. Es una interacción entre la banda, la gente y la música. Esperamos que en Ecuador se dé esta magia”, indicó André. Por otro lado, el logo de Jaguares representa un cazador o guerrero, es una pintura rupestre encontrada en la Cueva de la Malinche, en Veracruz, México, en sus imágenes siempre tratan de retomar símbolos prehispánicos mayas o aztecas.

En relación a su último disco, 45, André contó que para grabarlo entraron al estudio con la idea de no repetir trabajos precedentes. “Nos metimos al estudio para hacer algo distinto a lo que hemos hecho. A este disco lo sentimos con mucha energía y garra, los otros discos eran más elaborados o más pulidos, con menos disposición, menos entraña; este es pura furia, nos habla de que el grupo sigue vivo con ganas de hacer muchas cosas”, afirmó. Lo lograron después de estar tres años alejados de los estudios debido al cambio de disquera.

Jaguares simplemente llega a la víscera de la audiencia. Hernández creó unas composiciones sumamente bellas líricamente en las que se nota una gran pasión por el retorno a la tierra, la búsqueda de la libertad y el regreso a las raíces del ser humano. No solo es el lugar común del amor al que la mayoría de artes toman como referencia sino la condición espiritual del hombre y su relación con su historia. Así, lo latino y los acordes fuertes del rock se unen, para conformar con originalidad lo que Jaguares representa. “Podrá sonar la música muy ruda y muy rocanrolera pero el corazón latino lo tenemos”, concluyó el baterista. (Nota realizada especialmente para Show Factory http://www.showfactory.com.ec )

El esteticismo cinematográfico de Misfits, según Jerry Only

Los desadaptados u outsiders, cuyo nombre fue tomado de Misfits, la película protagonizada por el mito americano Marilyn Monroe y dirigida por John Huston en 1961, visitan Ecuador después de tres décadas de trayectoria punkie. La agrupación proviene de New Jersey, en Estados Unidos, en donde se convirtió en el referente de punk más comercial e importante. Oír a Misfits es enfocarse en dos marcadas épocas, la primera con Glen Danzig (desde 1977 hasta 1983) y la segunda a partir de su reagrupación (en 1995) en la que el músico Jerry Only toma las riendas del grupo hasta la actualidad.

Misfits, y que no quepa la menor duda, es una banda trascendental para la escena del punk, tanto así que no solamente constituye una agrupación de acordes simples y agresivos, a los que se refiere Only cuando se le pregunta de qué manera piensa que Misfits ha influenciado a los grupos actuales de este género, sino que Misfits ha trazado un camino con la estética suficiente para que -con solo mirarlos en el escenario sin tocar- el público se halle ante un performance teatral, cuya esencia parte de las películas de terror en blanco y negro. Por eso, Misfits es el fiel representante del horror punk. Esta estética de acuerdo con Only “ha sido fácil plasmar” en la música ya que el cine de terror “es una forma de arte atemporal”, digamos que por el legado clásico que este ha heredado en el séptimo arte.

Varios críticos, por otro lado, han manifestado que la esencia del punk radica básicamente en una estética contemporánea que sobresale en las sociedades industrializadas. Según Only, el punk podría ser una estética y mucho más ya que este género “sería de todo para una infinidad de personas”, es decir anarquía, irreverencia, vestimenta, arte, una forma de ser, e incluso de hablar, y es allí por lo que cree que funciona; no obstante es indiscutible que Misfits primigeniamente se expresa de forma contestataria con una imagen disímil a los grupos de punk de finales de los setenta, estando más cerca a un filme de terror en el que los papeles estelares podrían estar representados por los zombies de El regreso de los muertos vivientes. Es más, la influencia del séptimo arte forma parte de la apreciación artística de la agrupación. Jerry Only dice que entre sus películas favoritas de terror en blanco y negro se encuentran Drácula, Frankestein, El Hombre Lobo, La noche de los muertos vivientes; así como la literatura y la pintura malditas.

Cuando se le pregunta acerca de la diva de los años cincuenta Marilyn Monroe, cuyo nombre sobresale en la canción de Misfits “Quién mató a Marilyn”, el músico se refiere a ella como un ícono cuya trágica muerte resulta apropiado reivindicar razón por la que “Who killed Marilyn” por su naturaleza atacaría a una sociedad tapada y ladina. A través de esta simbología, Misfits evoca su actitud contestataria ante los elementos y situaciones tradicionales del contexto que nos norma, que también está reflejada en la famosa “American Psycho”: “Inside a wall street mind a psycho lurks, Lines of cocaine cut in hell, Obsessive hands gently grab your neck, Compulsively youll die... I hate people”.

Only afirma que la herencia de Misfits está guardada con cada nuevo paso que dan y que crecen con todo lo que han hecho. “Sabemos quiénes somos; es lo queremos, lo necesitamos y lo tomaremos siempre”, concluye el artista prometiendo un concierto en Ecuador que estará a la altura de la excelencia de su música y estética digna de las clásicas películas de terror.

(Este artículo lo escribí especialmente para la página web de Showfactory www.showfactory.com.ec)

He matado al rock & roll

El rock ha muerto, la música ha muerto: el símil de Dios ha muerto, lo ha matado Nietszche. Así, como discípulo del existencialismo y el simbolismo, lo que hizo Jim Morrison fue haber asesinado el rock para convertirse en el chamán de un mundo derruido por el caos, que pregonaba a gritos un cambio. El iluminado, el messiah, uno de los malditos; sensibilidad aguda, tan solo un artista con una intuición como pocos y el afilado sex appeal de una estrella de cine. Recordado será con el dorso desnudo, su cabello largo y la fogosidad de unos ojos que irradiaban lujuria.

Con Morrison hay un antes y un después en el universo de la música mundial.

Morrison, per se, es la encarnación de su propia plegaria americana, el sentido contemporáneo de las oraciones simbolistas de Baudelaire y las estaciones infernales de Rimbaud. Sus versos ante todo constituyen el resultado de las letanías satánicas y los paraísos artificiales de la soñada Francia decimonónica, hebria a fuerza de ajenjo y opio, el tercer ojo de los poetas. Las puertas que se atrevió a abrir Morrison con la energía cósmica de la época bajo el conjuro maléfico de William Blake: "If the doors of perception were cleansed, everything would appear to man as it is: infinite." (Si las puertas de la percepción se abriesen, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito). Merodeaba al borde de la conciencia, entre las fronteras de lo espiritual y lo terrenal, en una cierta apología del vuelo psicotrópico propuesto por Aldous Huxley, en The Doors of Perception.

Sans cesse à mes côtés s'agite le Démon;
Il nage autour de moi comme un air impalpable;
Je l'avale et le sens qui brûle mon poumon

Et l'emplit d'un désir éternel et coupable.
(La destruction, Charles Baudelaire)

Es el final, el rock ha muerto….la banda sonora del apocalipsis, una nueva era ha comenzado con los gritos mortales de Morrison y el capitán Kurtz. This is the end. Es hermosa la guerra, una sinfonía verde curtida por el sol canicular de Saigón, es magistral el olor del Napalm cuando se está cerca al final, lo que recuerda que aún se es materia de alguna forma con una pierna rozando los lodos del hades perfumado de grandilocuencia wagneriana y su Ride of the Valkyries. La fuerza de Morrison, el Eros y el Tánatos, la muerte y su energía sexual, tanto creación como destrucción, así las cosas entre la vida y la muerte… You know that it will be untrue, you know that I will be on fire…Come baby light fire, try to set the night on fire…

An angel runs

Thru the sudden light
A ghost precedes us
A shadow follows us
And each time we stop

We fall

Algo le adhería a la tierra con absoluta persistencia y doblaba las alas de un ángel expulsado del paraíso cuyos restos reposan en el Pere Lachaise, lo que queda de un feligrés del parnasianismo. Entre paredes pintadas de grafitis y los restos de otros simbolistas, los huesos de Jim Morrison, de quien mató al rock, quedaron astillados en París, bajo las tinieblas de la bohemia europea. Lo expulsaba de la Tierra también algo, que lo obligaba a aletear y dejarse ir hacia el eterno vuelo.
Poeta ante todo, antes que músico. Dejemos a Ray Manzarek, Robby Krieger y John Densmore como los creadores del ambiente de sus fluidos de conciencia. La esencia de los Doors fue Jim, el poeta underground, venido de una familia políticamente correcta hacia los Height Ashburies de los pasadizos de la inconciencia y quien aún quisiera ser escuchado. Ya lo dijo manzarek : "Estamos quedándonos viejos. Deberíamos estar tocando porque el final está siempre cerca. Morrison era un poeta, y después de todo, un poeta quiere que sus palabras sean escuchadas".

I dropped by to see you late last night
But you were out like a light
Your head was on the floor & rats played pool w/your eyes
Death is a good disguise

for late at night...

The Doors es la búsqueda implacable de las horas nocturnas de la poesía, más allá del poder de las palabras, que a la larga son la apología de la falsedad, de acuerdo con su maestro Nietszche. El "Rey Lagarto" es el sacerdote del Parnaso que dio de beber ambrosía al universo y así extasiarlo y transportarlo a los umbrales de la inconciencia, entre la vida y la muerte, la cópula y el cadáver, hasta su muerte precoz rodeada de mitos.

Te hallaron en una bañera.

Entre la armonía de lo sinfónico y la crudeza del metal, el eclecticismo de Therion

O Fortuna

velut lunastatu variabilis,
semper crescisaut decrescis;
vita detestabilisnunc
obduratet tunc curatludo
mentis aciem,
egestatem,
potestatem
dissolvit ut glaciem.
Sors immaniset inanis,
rota tu volubilis,
status malus,
vana salussemper dissolubilis,
obumbrataet velatamichi quoque niteris;
nunc per ludumdorsum nudumfero
tui sceleris.
Sors salutiset
virtutismichi nunc contraria,
est affectuset
defectussemper in angaria.
Hac in horasine
moracorde pulsum
tangitequod per
sortemsternit fortem,
mecum omnes plangite

El metal sinfónico de los avant-garde Therion, en la Plaza de Toros

La buena noticia para la escena metalera del país es que este 22 de septiembre se presentará en Ecuador unos de los pioneros del metal sinfónico a escala mundial, la agrupación sueca Therion, vista, de acuerdo con los críticos musicales, como una banda avant garde, muy versátil, que ha sabido combinar diversos géneros, desde los más crudos como el death y el heavy con la armonía de la ópera y beats digitalizados de sintetizadores.

Quizá el término avant-garde es lo que hecho mella en la audiencia mundial ya que este grupo es el más sobresaliente entre sus pares (como Nightwish, Haggard, Theater of Tragedy, los mismos Lacrimosa, o tal vez Within Temptation o Katatonia) porque lograron crear un único estilo que abarca, además de una estética evidentemente gótica, una filosofía que se sienta sobre la base de la ideología enmarcada en la mitología nórdica, vista como muchos como oscura.

Therion nació hace 22 años (1985) de la mano de Christopher Johnsson como una banda de death metal puro que se combinaba con ritmos que rayaban en el black metal. No es sino hasta 1996, con la grabación del álbum Theli, que se encaminaron en las raíces del metal sinfónico, lo que hoy por hoy les caracteriza y es la esencia de su eclecticismo musical elaborado con excelencia.

Los integrantes actuales de la banda son: el fundador, el guitarrista Cristofer Johnsson, es el único miembro que ha permanecido en el grupo y es quien escribe la mayoría del material de las canciones; Kristian Niemann (guitarra), Johan Niemann (bajo) y Setter Karlsson (batería). Los colaboradores actuales son Tomas Karlsoon (letras), Mats Levén (vocalista), Snowy Shaw (vocalista), Katarina Lilja (vocalista), Hannah Holgersson (vocalista soprano en estudio) y Lori Lewis (vocalista soprano en directo).

Cuenta con trece álbumes grabados en estudio, de los que se destaca Crowning of Atlantis (1999), que a su vez abarca una muy desarrollada técnica musical e impresionantes voces dignas de estar en un teatro de ópera acorde a las sinfónicas de cámara a escala mundial.

Otro de sus trabajos que consiguió la suficiente atención mediática y de la audiencia fue el editado en 2000 Deggial, trabajo que llegó a ser una leyenda en la historia del metal a manera de tributo a Carmina Burana, la famosa ópera siniestra de Carl Orff, quien tomó los textos medievales de la obra para elaborar un trabajo moderno en 1937.

Como caballeros medievales y princesas cuyas facciones confundirse podrían con las hadas de los bosques y voces angelicales, Therion ha elaborado un estilo que confluye en dos planos: el de exaltación al mundo fantástico de aquella mitología nórdica –entre guerreros y seres imaginarios- y celta que, a su vez, confluye en las emociones del ser humano, especialmente aquellas que se remiten al dolor, tristeza, soledad, desamor, miedo y muerte. El tánatos está presente en las líricas de Therion que a través de su trabajo se transforma en una bella sinfonía inolvidable para el oído humano. Sin embargo, esta belleza roza lo radical. Su música no está enmarcada en la belleza armónica de la ópera sino en el espíritu extremo de la crudeza del metal, por lo que conforma un género dual de sensibilidad profunda con un lado radical e incluso agresivo.

Therion actualmente se encuentra realizando su tour 2007 en el que promociona su último trabajo titulado Gothic Kabbalah, gira con la que arrivará al Ecuador en un concierto que será memorable para los amantes de este versátil y desarrollado estilo.

La agrupación promete un concierto en la Plaza de Toros Quito a la altura de los performances europeos con ocho personas en escena interpretando sus más famosas melodías a partir del año 1996, el que los consagró como pioneros.

Christopher Jonhsson fue entrevistado por la propietaria de este blog, en una entrevista para Diario HOY.

1.- How is it for the band to be considered as an "avant-garde" group in the metal music scene?

We have been avant-garde since the first album in the eyes of the audience in each times (today one may ask why our first album should be considered original, but back then it was very original compared to the other bands at that time), so it's something that has alwas been a part of the band and nothing I've reflected much over. However, it was not until 1996 with Theli that we became a really big band and started to effect the music scene and I started to get this kind of questions.


2.- Therion is an essential band for the symphonic metal with a 20 years of experience. How the band feels now after the experienced years?

It's only me who is left since the early days. For me Therion has been a life partner and as I am now 35 years old, Therion has been my occupation since I was 15, so it's in a way like a marriage. When I sarted I had no idea that we would even get a record deal (though this was of course my goal) or that I would be able to become famous and play in so many countries all over the world. We've now done 13 studio albums and if someone would have asked me after the 5:th album how I though I would feel after album number 13, I would probably have guessed that it never would happen, but if it did I'd be "Old, tired and repeating my self", so it's actually really nice that I feel very full of energy and that the biggest critique against our new almbum is that we've progressed TOO much.
Sincerely I look forwad to another 20 years and another 13 albums and today I'm sure that as long s I want to continue, I will make interesting music that brings something new each time (else I will stop in time and let Therion remain a unique band).


3.- What the band will have done before arriving Ecuador?

We have some separate concerts and festivals in Israel, France, Finland, Ireland and fr the first time in 3 years also a concert here in Sweden. And of course we will rehease some days too. So we will be warmed up perfectly for Equador.


4.- What the band will offer to the ecuadorian audience considering that here there's a crowd of fans that love at heart symphonic metal genre?

We will bring with us the full european stage production and play a set for a around 2 hours and 15 min with songs from albums between 1996-2007. It will be he first show on the Latin American branch of the tour, so we will be full of energy, that's for sure! =)


How is the performance?

This tour we've developed into some sort of metal musical operatic band, with a stage show that is truely amazing for a metal band of our size in our generation.

How many people will be at the scene?

The band + 4 soloists (8 all in all).


5.- Which are the future plans of the band?

2008 we will take a vacation, 2009 we're recording a new album and 2010 is the next World Tour (which hopefully will include Equador again, I think it will be a great experience there).
The next album will be the most ambitions to this date and will end the quadroly which the last 3 albums has been a part of.

UNFORGETTABLE!!!!!!

Cannibal Corpse visual: THE TIME IS TO KILL NOW

El grupo estadounidense más destacado de death metal, Cannibal Corpse, se presentó el jueves de 16 de agosto, en Quito, ante dos mil personas. THE TIME IS TO KILL NOW dice el emblema del tour de una de las bandas más extremas de este género.

La reinterpretación electrónica de Floyd y U2, entre la innovación y el negocio

Indiscutible resulta el planteamiento de una crítica sobre el resultado de la música electrónica fusionada con un clásico considerado “sagrado” como es la banda de rock progresivo Pink Floyd y el bagaje artístico-cultural de este ícono inglés a escala mundial. Y es que a muchos adeptos de su música les chocará, quizá a otros les encantará -las opiniones son divididas-, escuchar la lírica de 'Confortably Numb' o de 'Wish You Were Here', escrita por el genio Roger Waters, entonadas por la ensoñadora y sensual voz de la cantante de Lazy, parte del proyecto Pink Floyd: A Chillout Experience (el primer álbum, en 2006), calificado por críticos musicales con una agrupación con fines “comerciales”. Sí, la música ya conocida, con toques y tintes electrónicos que tanto gustan a la juventud, podría venderse fácilmente; sin embargo quedarse con esta aseveración, asimismo, desembocaría en la simple conclusión burda.

Este fenómeno novísimo es parte de la fragmentación del objeto otrora de culto para “refreírlo” a manera, si se quiere, digerible en aras de la búsqueda de ser parte del nuevo movimiento chillout, que tiene el permiso comercial respectivo para hacer lo que desea con lo que la tradición considera qué es realmente música: Bob Marley (reggae), Pink Floyd (rock progresivo), Gun's and Roses (hard rock), entre otros clásicos representativos de sus géneros fusionados con bossa nova, jazz, flamenco, etc., y beats de sintetizadores digitalizados. Temas que han pasado ser parte de los imaginarios roqueros y “respetados” por miles de fans en el mundo han merecido estar en la lista de covers cantados por otros grupos en distintos ámbitos musicales, por un lado a manera de tributo, por otro, debido a la fama y el nombre que han convertido en una leyenda popular desde hace casi medio siglo. Entre el mito y la fama, Pink Floyd es también un estilo de vida, más allá del talento musical que ha influido en bandas más nóveles.

Lazy además ha dedicado un tributo a U2, una banda más nueva pero una de las endiosadas del pop europeo, en su álbum 2007 In The Name of Love, a través de una reinterpretación electro-jazz, quizá menos pegajosa que el primer trabajo. U2 es definitivamente un ícono que ha sabido fluir a través del tiempo sin chistar con mucha creatividad y bajo la línea comercial a partir de los años ochenta. De esta forma, los temas más famosos como 'Beautiful Day' o 'Sunday Bloody Sunday' adquieren nuevos matices, los electrónicos, en una era en la que el arte toma otras significaciones.

Entre el mito y la fama: quizá sean esos, más allá de la intención, los resultados de un álbum de covers, muy sui géneris -en el caso de Pink Floyd- dada su fusión de los ritmos brasileños de la bossa nova, los experimentos electrónicos elaborados en la Argentina y las líricas del rock inglés, de gira por el Ecuador. ¡Vaya que la globalización está en marcha! Así como el jazz norteamericano, las líricas de una banda de pop irlandesa junto a las notas computarizadas, en el caso de la agrupación cuyo líder es Bono Vox.

De esta forma, es necesario que la audiencia musical tanto tradicional como experimental considere que en los tiempos actuales, qué vieja discusión, lo válido no es el genio ni la estructura técnica o pionera de un género musical en tanto la tradición de otros tiempos lo dicte, sino que como parte de la globalización dentro del posmodernismo que expuse anteriormente en lo de Buddha Sounds, Chillout Experience y In The Name Of Love sean considerados como unos representantes más de este fenómeno digno de escucharse. Es válido “reciclar” la música, como sucede actualmente con el cine y otras manifestaciones artísticas que dan valor a un hito de una manera nueva: ese precisamente es el valor para re-crear obras que están en el inconsciente colectivo y que adquieren formas nuevas, no mejores, ni peores, pero diferentes. Y, por supuesto, son sujetos de un buen negocio.

La comparación está demás.

La gira de este proyecto que ha sido denominada "Chillout Experience" se presentará en Quito, en el Teatro Bolívar, el viernes 13 y sábado 14 de julio.

Buddha Sounds visual

Con ustedes, Buddha Sounds

Alejandro Seoane, el mentalizador de Buddha Sounds

Una de las bailarinas del performance

The Apsaras

La intensidad de los ritmos electro/orientales sobre el escenario del Teatro Bolívar. Un evento memorable

Buddha Sounds, ritmos posmodernistas creados para un mundo sin fronteras

Pues sí, el proyecto argentino Buddha Sounds que se enmarca en el género chillout de la música electrónica visitará el Ecuador el mes que viene y dará a conocer su propuesta, parte de las últimas corrientes musicales a escala mundial, con una filosofía asimismo electro-oriental.

Todo empieza con la búsqueda “digital” de la añorada tranquilidad en una sociedad que habita en un mundo desenfrenadamente rápido, que está estrechamente enlazado a la Internet, el Play Station, los videoclips y la junk food. Lo que se podría traducir, musicalmente hablando, en la concepción actual de lo más comercial y discotequero, el tecno; el cúmulo de fragmentos que conforman el diario vivir de la gente en la actualidad simplemente se denomina, como diría Jean Baudrillard, posmodernismo. Y no es inherente a las sociedades industrializadas o del primer mundo ya que el rasgo positivo de la globalización discutida en esta corriente filosófica es la pérdida de la exclusividad de la frontera, por ende, estas manifestaciones no tienen barreras para difundirse. Lo malo es que asimismo con la rapidez que empiezan, finalizan, en fin...

Para la suerte de los adeptos de la música electrónica no convencional hay una gran variedad de géneros cuya ideología se desarrolla sobre la base de la fusión de importantes ritmos folclóricos de cada región, y no en función de caer en la hibidrez más banal sino con el fin de lo que en términos cinematográficos se denomina flashback. Partiendo de que esa es la nueva tendencia en cuanto a las artes se refiere. Somos espectadores de una psicosis urbana que está en la búsqueda de cierta digerida espiritualidad con tintes de comida sana y light, aunque lo light,a fuerza de aspartame, sea lo más antinatural que existe en cuanto a comida; asimismo resultaría light lo que el término chillin dennota. Una palabra del inglés que significa relajarse, lo que enseguida se ha aplicado a un género específico de música electrónica cuya finalidad es precisamente esa, el relax, no en vano se han escuchado términos como after office, after party, lounge, y una gran variedad de palabras que han pasado a ser neologismos de manera fácil, ya que el inglés es el lenguaje del posmodernismo y los habitantes de todos los países tendrán que hablarlo en plazo de pocos años.

El referente más grande que tenemos para el chillout sin duda alguna es la serie Café del Mar que hoy se encuentra en su 13.ª edición, nacido en una de las capitales de la música electrónica en el mundo, las europeas islas de Ibiza, uno de los sitios más concurridos por los famosos a partir de finales de los años sesenta. Conocí las islas de Ibiza a través de la canción de Pink Floyd del mismo nombre, del album More, por lo que no es nuevo que este sitio español sea un referente en lo que a diversión europea se refiere.

Café del Mar nació a manera del soundtrack de las puestas de sol costeras de la mano del DJ famoso José Padilla, a quien se le atribuye la máxima invención de lo que se denomina chillout music, otros representantes menos famosos son Lenny Ibizarre y Paco Fernández, sin dejar a un lado la conexión de este género con el triphop electrónico muy difundido en Europa con representantes como la actriz Najwa Nimri, pero esta corriente experimental que cuenta con el apoyo de los instrumentos musicales y de la voz de una artista es materia de otro análisis.

En Café del Mar confluyen varios ritmos e ideologías dignos de escucharse y de leerse. A partir de 1994 constituyen una especie de re-innovación musical al mezclar desde música clásica, pasando por Mozart y Beethoven, hasta ritmos de flamenco y bossa nova, sin olvidar la música árabe e india con los acordes de la música electrónica soft. Esta colección ha llegado ha considerarse un hito musical ya que ha logró internacionalizarse a escala mundial, tanto así que el famoso bar Café del Mar, del que fue tomado el nombre para bautizar a esta colección, tiene varias sucursales en toda España y hasta no sería raro que abra franquicias en el exterior. Relativamente en poco tiempo, el chillout ha pasado a ser un símbolo de lo contemporáneo porque más que música insmiscuye un estilo de vida propio del mundo actual.

Con estos antedecedentes, América del Sur no se ha quedado fuera. Argentina, país que tiene estrechas relaciones artísticas con Europa, posee grandes representantes de este género como Bajo Fondo, Narcotango y Buddha Sounds y son las últimas manifestaciones de este relativamente nuevo género que nace a partir de 2002 en las tierras gauchas. Los dos primeros son una innovación para el mismo folclor argentino ya que elaboran una mixtura del tango con lo electrónico, para crear un nuevo género que es escuchado por la nuevas generaciones, el electrotango; sin embargo el tango es un ritmo cien por ciento argentino pero que gracias a esta mezcla posmodernista ha pasado a pertenecer al mundo, tal como ocurre en la globalización.

Así, Buddha Sounds se ha tomado la atribución de mezclar ritmos árabes e indios, que ya no son exclusivos de esas regiones exóticas porque el mundo los ha regresado a ver en un flashback para tomarlos como parte de su repertorio y de la moda actual con la música electrónica. De esta forma, el “gurú” argentino Alejandro Seoane ha realizado una zaga de tres álbumes y los pone en el tapete para el gusto del público más experimental (A Personal Voyage Into a Down Tempo Lands del 2002, Arabic Dream del 2003 y Chill In Tibet del 2005), de la misma esencia de la serie parisina Budhha Bar que ya cuenta con ocho ediciones.

Buddha Sounds no deja de ser light ni de ser un producto elaborado con retazos, pues lleva el sello del fragmento al que me referí anteriormente. El chillout está elaborado sobre la base de fragmentos de aquí y de allá, es innegable, pero asimismo es un producto de la actualidad porque ya no hay grandes obras magistrales y porque al parecer en esta época ya todo está creado. Lo que ya está creado es el elemento con lo que a su vez se re-crean nuevas obras a manera de laboratorio.

Seoan, su aka, presentará Buddha Sounds en Quito el viernes 27 y sábado 28 de abril en el Teatro Bolívar en un performance innovador que combina imágenes de video, la fragancias del sahumerio, la danza de bailarinas provenientes de la India con sonidos digitales y acústicos, lo que constituye una experiencia totalmente sinestésica-electro-acústica que llega más allá del estrictamente sentido auditivo.

VIDA/DIVA

No se me había ocurrido hablar de Madonna hasta que vi A la cama, un documental de 1991, en el que se descubre a la verdadera Madonna Louise Ciccone, la “Reina del pop”, la “Chica Material”...entres otros llamativos sobrenombres. No se trata de un ejemplar cinematográfico en el que se puedan admirar y percibir los recursos fílmicos sobresalientes del séptimo arte, sin embargo mediante un interesante clarooscuro es posible entender ciertos momentos de la vida de esta diva estadounidense que la marcaron para siempre.

Encandilada en el lado más banal de la industria musical, pocos conocen sus orígenes, menos aun su verdadero talento: la danza y el desarrollo de una voz sobresaliente que no combinaría exclusivamente con los acordes poco elaborados del pop pero que lo hace bien junto con una imagen camaleónica que ha logrado sobrevivir más de dos décadas. Así, Madonna no es “la reinita del pop con aires de puta”, como la conoce la gente de la generación que me antecede, Louise Ciccone es un talento que podría pararse al lado, del igualmente camaleónico David Bowie, el padre del pop.Así, Bowie y Ciccone, íconos de una cultura fundada por Andy Warhol, para muchos han cometido el pecado de comercializar su talento a cambio recibir grandes regalías, “grandes regalías” es poco en comparación con el imperio monetario que las dos figuras han logrado juntar, a fuerza de historias y escándalos mediáticos que han empañado el verdadero talento de dos personalidades que llegaron demasiado lejos.

Y Madonna no era nadie, solo una new wave girlie (nacida en Detroit, en 1958) con ganas de trabajar, más alla también poseía astucia, manía y llamaba la atención por donde iba. Sin ser tan alta (no más de 1,60) cortaba la respiración de cuanto elemento masculino la veía, porque esta chica tenía algo más: es como ese “algo” o “ese ángel” que posee cierta gente a la que vemos y que nos ha enganchado y no sabemos por qué, personalidad “imán” se llama, algo que se relaciona también con “la personalidad esponja”, atrae hacia sí todas las energías circundantes, es una Messiah, una punta de las estrella de David, la piedra en el zapato del mundo...y no ha dejado de serlo. Hace poco, en la última gira (2006) Confessions of a Dance Floor, aún escandalizaba al seguir utilizando referentes religiosos en sus conciertos, lo que siempre fue condenado por El Vaticano... “sacrílega” resultó esta bailarina irreverente.

Existen tantos mitos alrededor de su vida: una violación, una cantidad inconmensurable de amor y desamor, drogas, sexo desenfrenado, bisexualidad........ mi objetivo no es tratarla desde el punto de vista de la polémica, aunque su persona desde todo enfoque constituya en sí una polémica.
El primer punto que sentí “coyuntural” en su biografía fue la muerte de su madre (a raíz de un cáncer de mama) cuando Madonna solo tenía 5 años. Su madre, también llamada Madonna, falleció joven, no pasaba de los 30 años. La primera y última vez que Madonna visitó su tumba fue en su infancia; jamás regresó porque no pudo asimilar del todo el que una figura importante en la niñez de cualquier persona se haya marchado para siempre. Aunque vivió impregnada hasta la médula del catolicismo de su familia, lo cual es notorio a flor de piel por el imaginario de sus creaciones, se percibe la lucha de contrarios dentro de su existencia, la niña buena vs. la niña mala, que nace con un rechazo hacia la figura paterna a partir del fallecimiento de su madre, ya que él posteriormente decidió casarse con la niñera de la familia, hecho que Madonna jamás le perdonó y por el que “expulsó” a su padre de su vida y una de las causas por las que se marchó a Nueva York sola.

Toda una vida de danza

Es precisamente ese “ángel” innato el principal recurso de un bailarín, más allá de la rigurosa técnica que utilice. Es notorio que Madonna es una virtuosa que empezó con el ballet y con el paso del tiempo fue perfeccionándose con otras técnicas; sin embargo el virtuosismo solo es un medio y no un fin para que el cuerpo de un artista trasmita la racha de sensaciones que ella ha dejado en el público durante las diferentes épocas de su trayectoria: la new wave girlie (en los años de "Chica Material"), la femme fatale (en su momento de Erotica), el ícono religioso con influencias orientales (en Ray of Light) y finalmente un retorno hacia los tempranos ochenta con una combinación de disco en sus últimos años.

Por supuesto que cada época imprime un carácter distinto en su forma de bailar. Exhaustiva, provocativa, funkie, hindú…hay distintas formas de mover piernas y brazos, con un semblante facial característico que además habla mucho con sus ojos.

Madonna baila con su sexo en un fraterno lazo con el amor. Lo que baila con ella es la pasión de una mujer fuerte desbordante de energía; sin cansarse derrocha un brillo inigualable. Es la maestra de cualquier aspirante de los nuevos programas que muestran el proceso para convertirse en una estrella de este género, pero también es la artista del underground neoyorquino cuyo ejemplo de trabajo es lo que vale la pena en medio de su dolorosa temprana vida.

Y su trayectoria dancística es impresionante. En 1976 recibió una beca de danza para la Universidad de Michigan, allí conoció a Christopher Flynn, quien resultó ser el mentor de este talento en ella; además la introdujo en el ambiente gay en donde pudo probar en el ámbito del baile. Así inició la suerte de este personaje “polémico”, ya que después de dos años abandonó la Universidad de Michigan y acudió a la metrópoli neoyorquina, y sin un solo centavo en el bolsillo. Para sobrevivir lo hacía a costa de amistades y amantes y, una que otra vez, posaría desnuda para revistas y películas.

A finales de los años setenta, y con un talento artístico innato, Madonna llegó muy lejos. Fue discípula de Martha Graham, una de las más importantes bailarinas y coreógrafas de danza contemporánea a escala mundial. Basta recordar con que Martha, quien murió en 1991 (el mismo año que se estrenó A la cama), dejó un legado importante para la danza, la técnica Graham, paso importante para cualquier bailarín de la técnica moderna. Madonna más tarde trabajó con varias compañías de danza moderna, incluyendo a Alvin Ailey y Walter Nicks.

"El amor es emoción, y el sexo, acción"

Dicen que para seres tan sensibles enmascarados en distintas facetas el amor es el centro de su vida. A Madonna se le ha ligado a cuanto ser masculino se le ha visto conversando con ella. En A la cama, está ligada al legendario Warren Beatty (Bonnie & Clyde), actor mucho mayor a ella .Y solo amó a Sean Penn, con quien tuvo una aparatosa relación de violencia durante casi cuatro años.

"El sexo solo es sucio cuando no te lavas”, dijo alguna vez, esta diva que enmascaró de pasión toda acción de sus tempranos años. Con lencería sensual y una voz grave, Madonna consiguió la irreverencia sexual y desenfrenada, el puctum de El Vaticano y Canadá, prohibida en muchos sitios y amada en otros, Madonna solo buscaba cariño y….dinero.

Se percibe un época en la que esta búsqueda es exhaustiva y desenfrenada que arranca con los años noventa a través de su controversial álbum Erotica. En su imaginario existe una mezcla de de signos y poses sexuales, religiosos, raciales y de género en donde no hay límites; ahí es cuando Madonna se ganó la imagen de provocadora, trasgesora, para unos, escandalosa, para otros, así como de talentosa, y puta, respectivamente.

Pero el amor más grande que pudo haber derrochado Madonna no fue hacia ninguna pareja. Madonna es madre, es el espíritu protector, la madre que nunca tuvo en su adolescencia. Ella se convirtió en la protección maternal de sus bailarines y de la gente del staff de sus giras. Así lo afirmó alguna vez.
Esta es la base de su afortunada carrera, Louise Ciccone tuvo que llorar y pasar la ya tan conocida “catarsis” para vivir un cuento de hadas, casarse con un intelectual director de cine, por supuesto europeo, tener dos hijos y uno adoptado recientemente, por el que también causó escándalos, poseer todo el lujo del mundo y una enorme empresa musical ya que también se descubrió como madrina de las nuevas estrellas del pop.

Así A la Cama logra juntar su dolor ante la pérdida, la soledad, el amor, el lado materno y la búsqueda “desenfrenada” de Madonna. De polémica mediática no recoge una pizca.